Esculturas; en el Museo Nacional de Bellas Artes

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El Museo Nacional de Bellas Artes fue inaugurado en diciembre de 1896 en el edificio de las tiendas Bon Marché de la calle Florida, hoy Galerías Pacífico. Desde su origen, fue pensado como un espacio destinado a albergar arte internacional de todos los períodos históricos, y a promover y consolidar un arte argentino por entonces incipiente.
Hacia 1910, en épocas del Centenario de la Revolución de Mayo, el Museo ya contaba en su colección con piezas de los maestros Francisco de Goya, Joaquín Sorolla y Bastida, Edgar Degas y Pierre-Auguste Renoir.
En 1911, se inauguró la segunda sede del Bellas Artes: el Pabellón Argentino, una estructura monumental que el país había utilizado en la Exposición Universal de París de 1889 y que, luego de su traslado desde Francia, fue instalada en la Plaza San Martín. Allí, se exhibieron nuevas adquisiciones que ampliaron el patrimonio, como La ninfa sorprendida de Édouard Manet, y Orillas del Sena de Claude Monet.
La institución fue trasladada en 1933 a su sede actual: la antigua Casa de Bombas de aguas Sanitarias en Recoleta, y el tanque de distribución del agua de la ciudad se encontraba en la plaza Lorea, remodelada la Casa por el arquitecto Alejandro Bustillo. Durante ésos años se incorporaron destacadas pinturas, entre ellas, Mujer del mar, de Paul Gauguin, Le Moulin de la Galette, de Vincent van Gogh, y Jesús en el huerto de los Olivos, del Greco.
Las últimas décadas del siglo XX acogieron a grandes referentes del arte moderno internacional. Así, se sumaron obras de Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, Vassily Kandinsky, Rodin, Paul Klee, Lucio Fontana, Jackson Pollock, Mark Rothko y Henry Moore.

La historia de la producción local también se narra en las salas del Museo, que exhibe un vasto panorama de arte argentino, con obras de sus mayores representantes, como Cándido López, Prilidiano Pueyrredón, Emilio Pettoruti, Xul Solar, Raquel Forner, Grete Stern, Antonio Berni, Alicia Penalba, Gyula Kosice, Marta Minujín, Antonio Seguí y León Ferrari. Además, posee un destacado conjunto de arte latinoamericano, que reúne piezas de Pedro Figari, Joaquín Torres García, Tarsila do Amaral, Diego Rivera y Jesús Rafael Soto, entre otras.

En sus más de 120 años, el Museo Nacional de Bellas Artes ha formado una importante colección de más de 12.000 piezas de diferentes períodos, nacionales e internacionales, que lo constituye en una de las instituciones culturales más relevante del continente.

Colección digital del Museo Nacional de Bellas Artes

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La historia del MAT

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El Museo de Arte Tigre fue la antigua sede del Tigre Club inaugurado en 1912 que tenía como interés fomentar la recreación social y deportiva con regatas y práctica de otros deportes. En 1927 se instaló en la PB la sala de un casino que terminó desmantelado en 1933 cuándo se prohibió el juego de azar en la capital.
El proyecto original del edificio lo realizó la firma francesa Dubois t Pater,los mismos arquitectos que proyectaron el palacio familiar Ortiz Basualdo que actualmente es la sede de la embajada de Francia.

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El Tigre Club de arquitectura neoclásica del siglo XIX luce con sus decorados salones y espacios la nobleza que le ofrece los herrajes de hierro de sus portones y el mármol de Carrara en su interior, como el roble de Slovenia en sus pisos, muebles con bronces y dorados a la hoja en los detalles ornamentales. Grandes orquestas y bailarines colmaron espectáculos en sus salas y terraza durante el período llamado de la “Belle époque argentina”.

El Tigre Club un palacio de ensueño para la élite porteña que frecuentaba para el deporte y las reuniones sociales burguesas de la época.

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En 1974 el intendente Néstor Pozzi expropió el edificio al Tigre Club con interés histórico Nacional en 1979, dónde años más tarde en 1998 la Municipalidad de Tigre lo restauró para inaugurarlo como Museo de arte en 2006 por el intendente Ricardo Ubieto para toda la comunidad.
La planta del edificio está compuesta por 2 salas centrales y otras más pequeñas a cada lado. La sala del primer piso como salón de baile ostenta un techo oval abovedado con pinturas del español Julio Vila y Prades, que representa un conjunto de ocho series mitológicas con ninfas tocando distintos instrumentos, mientras una gran araña de luces de bronce y caireles de cristal, coronan la bóveda del salón. En el lado opuesto una idílica pasarela alumbrada por farolas decorativas proyecta su figura hacia la vera del río Luján.

El MAT en la actualidad realiza permanentes muestras de arte de diferentes artistas contemporáneos de estilos muy variados.

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Carlos Alonso, la vida de un pintor …

CAM00015 (2)“Yo mismo me he preguntado, porqué ésta tendencia a revivir a partir de obras de otros autores; porqué ésa necesidad de apoyarse en obras del pasado, ya consagradas y respetadas. Puedo decir que es la necesidad indudable de ése respaldo para poder pegar un salto, sin que la aventura sea un salto al vacío; sentir que uno es parte de ésa cadena o un eslabón que viene de atrás y que aspira que siga para adelante; una forma de tomar aliento, de tomar fuerza, bebiendo en fuentes que uno considera legítimas y aún llenas de savia, de vitalidad y de potencia”.

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Ahora podemos hacer cierta literatura sobre los cuadros, cosa que no pasa en el taller. Lo que sí pasa es la frase de Van Gogh cuándo le dice a Theo: “Finalmente me he encontrado a mi mismo? “Soy un perro”. Por eso cuándo dice que su cuarto de Arlés sería ideal con una mujer en la cama y un niño en una cuna, yo me dije: “No te preocupes, yo te la hago, y “así pinte en Casa tomada”

 

Carlos Alonso irrumpió en el panorama artístico en los 60 del siglo XX con vigor inusitado. Sus trabajos sonde las vertientes neofigurativas que desestructuraron el concepto convencional por el de la gestualidad del informalismo, la simultaneidad de la imágen, el uso de la narrativa fílmica, del comic, el pop, la ruptura del plano y el color independizado del dibujo.

 

Todos éstos elementos se conocerán en el Nuevo Realismo, integrándose armónicamente en su producción donde el signo reemplaza lo descriptivo en una obra de función simbólica.

 

En 1950 viaja a Tucumán para formar parte del grupo Spilimbergo en la universidad provincial. En 1957 gana el Primer Premio del concurso para ilustrar la segunda parte de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra ( y la primera parte había sido ilustrada por Salvador Dalí ). En 1968 viaja a Florencia para trabajar en ilustraciones de la Divina Comedia de Dante Alighieri. En 1969 comienza la serie Lección de Anatomía, variaciones sobre la obra de Rembrandt como trasfondo a la ejecución  del Che Guevara con las fotos que se exhiben muerto sobre la mesa de cemento.

 

En el 60 comenzó una vertiente de obras donde integró la simbiosis vaca-hombre con la violencia sobre el cuerpo recurrentes, que inició en 1965 con tres collages contemporáneos con ilustraciones que realizó para el Matadero  de Esteban Echevería. En 1972 retomó el tema que expuso en 1973 en la Galería Giulia en Roma, un mes después después del golpe de Estado de 1976 que presentó en Art Gallery Internacional la muestra llamada “El ganado y lo perdido”. Ese año ae exiló con su hijo y esposa en Roma y en 1977 desapareció su hija Paloma. En 1981 Alonso regresa y se instala en Córdoba hasta la actualidad.

 

Expuso en varias galerías del país y el exterior obteniendo varias distinciones como en la Bienal de La Habana en 1984 donde obtuvo el Premio Orozco, Rivera y Siqueiros. En 1990 en el MNBA con la obra “El pintor caminante” que refiere a la vida Van Gogh para luego hacer el mural “Con los piés en la tierra” para las lunetas de la cúpula de Galería Pacífico en 1994. Actualmente reside y trabaja en Unquillo , Córdoba.

 

 

 

 

 

 

Horacio Butler, modernidad, viaje, paisaje

CAM01135La exposición de tapices realizada en la galería Bonino en octubre de 1964,”Horacio Butler”, (1897-1983) fundamentaba su creación en el lenguaje del diseño textil al reconocer al artista como un artesano en el afán de actualizar se expresión pictórica.
El viaje a Europa en 1922 donde vivió 11 años en París, le posibilita el diseño como una idea de modernidad y la indagación en el paisaje, aparece en sus trabajos a lo largo de una extensa trayectoria de progresiva formalidad.

CAM01142“Horacio Butler, modernidad, viaje, paisaje” es una selección de piezas que se exhiben en el MAT que tienen un recorrido visual que desarrolla con el paisaje del Tigre en el arte textil que exhibió el Museo Sívori, que proviene del acervo del Museo de Arte Tigre y la Academia Nacional de Bellas Artas y de colecciones privadas.
En los años 60 cuándo Butler incursiona en las artes aplicadas junto a la ilustración gráfica, el diseño de vidrieras y la escenografía, amplían su universo visual a los límites entre arte mayor y menor.

CAM01140Al imaginario visual del Tigre que el artista definió como estilo inconfundible con embarcaderos, las casonas con galerías y la característica vegetación, se dan cita en una atmósfera melancólica del tiempo detenido un instante en una dimensión abstracta en su obra, que percibimos en el Delta y vemos lo que Butler nos quiere hacer ver, a través de su mirada aceptando su complicidad de artista, donde obra y espectador se aúnan al mismo sueño propuesto.

CAM01136La presencia de las aguas oscuras del Carapachay en la que convivió durante 49 años, como su fantasía nos muestra que no pintaba al Delta en presencia, sino guardaba en su memoria la luz que se espeja sobre el río, “como arte elaborado intelectualmente …”Así como el escritor León Tolstói dijo; “pinta tu aldea y pintarás el mundo”.

CAM01147Así sus litografías “Estampas del Tigre” es un remanso de diálogo amistoso del artista en sus años de infancia, hasta los mejores días de su adolescencia donde Butler pintó al río y universalizó al Delta.

Sobre los bocetos para el tapiz sobre la vida de San Francisco realizado para el altar mayor de la Basílica en Bs.As, fue ganador en un concurso para reemplazar el retablo barroco perdido en un incendio en 1955, diseñado en 12×8 m que fue base para emplazarlo en su lugar. donde la iconografía revela la vida del santo en sus aspectos más destacados.

Bajo la representación de la Virgen, el árbol de órden franciscano junto al santo rodeado de aves y plantas sobre una corona de flores que simboliza los sacrificios de la vida.
Éstas imágenes responden a la modernidad artística aprendida en sus viajes como clave para expresar poéticamente el mundo. Muere a los 85 años.

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De los Asentamientos en Federación…

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Trás una vida agitada en su pasado que registra hechos traumáticos con el derrumbe del viejo pueblo sepultado bajo las aguas, fue el motivo que Federación se forjara bajo la base del sacrificio. Su nacimiento se retrotrae a la última etapa misionera jesuítica, cuándo la corona española comenzó a sentir su reducción en 1877 el Cmte militar José de San Martín, gobernador de Yapeyú funda la estancia Mandisoví para el transporte de mercaderías entre los pueblos misioneros y el Puerto de Buenos Aires, a lo que se llamó la “Posta de Mandisovi” y la “Ruta de la Yerba” de la producción obtenida en las misiones de la región hasta Concordia.
Así el transporte de las producciones obtenidas evitaban los obstáculos de las rocas y usaban la navegabilidad de río. Por los viejos caminos transitaban las carretas que transportaban yerba, algodón y tabaco con paradas de postas, y el Cabildo de Yapeyú entonces creó cuatro escalas, que serían reconocidas como estancias; La Merced, hoy Monte Caseros en Corrientes, San Gregorio en el rincón de los ríos Uruguay y Macoretá y el río Uruguay, Mandisoví entre los arroyos Chico y Grande y Jesús del Yeruá cercano a la ciudad de Concordia.

El 16 de noviembre de 1810 se redacta el “Decreto Belgraniano” un documento que formaliza a los mandisoveños de Curuzú Cuatiá durante la campaña al Paraguay, con el propósito de llevar el mandato de la Revolución a los pueblos del Rio de la Plata, que adjudicaba a los lugareños las terrenos donde se definen las juridicciones del poblado y establecen las comarcas, con una población de 650 habitantes y 26.000 cabezas de ganado en las haciendas.

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El 20 de marzo de 1847 el poblado de Mandisoví de origen guaraní fue antecesora a la ciudad que sería reubicada por el Comdte. interino Coronel Manuel Antonio Urdinarráin, jefe de la división de Vanguardia y Frontera en Concordia bajo el mando del gobernador Justo José de Urquiza, tenía delineado y amojonado al nuevo pueblo de Mandisoví sobre la barranca del Río Uruguay y por orden de Urquiza se llamará “Pueblo de Mandisoví” un pintoresco lugar con puerto cercano a la plaza céntrica.
Para entonces las guerras eran fraticidas en el pueblo ya que era copado y saqueado varias veces hasta que fue abandonado por sus habitantes, y por sugerencia de Urquiza se cambia de lugar como así su nombre y pasaría llamarse “Pueblo de la Federación” por la causa federal que defendía el caudillo entrerriano, que después fue el primer presidente constitucional argentino.

En éste segundo asentamiento la comunidad tendría su época de esplendor y bonanza hasta que el puñal de Salto Grande sentenció su destino.
En 1946 Perón firma un tratado binacional con Uruguay para aprovechar los rápidos del río de Salto Grande se construye la represa hidroeléctrica, y establecía que la antigua ciudad de Federación desaparecería demolida bajo las aguas del embalse, ésto dejó una gran decepción e incertidumbre en la población que se sometió a un letargo durante varios años. El 3 de julio se inicia la construcción de la represa Salto Grande, una obra de avanzada que prometía el desarrollo regional con la producción de energía y propiciar la navegación para los federaenses.

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En 1977 Federación se desarrolla vertiginosamente con su nueva urbanización y construcción moderna sobre el otro lado del río y se inaugura el 25 de marzo de 1979 con presencia de su gobernador Aguirre y por el presidente de facto Jorge Rafael Videla con la puesta en marcha del complejo hidroeléctrico Salto Grande.

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El abrupto cambio en su población conmovió en principio por su traslado compulsivo realojados en pocas casas y la desazón tuvo que pasar una década (1979-1989) por dificultades económicas hasta que funcionara las reparticiones públicas, la prefectura, escuelas, policía, registro civil y servicios esenciales, pero con la instalación de 20 aserraderos que procesaban la madera para el pueblo y la exportación comenzó la pujanza de crecimiento.

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En la década del 90 la comunidad impulsa la búsqueda de aguas termales y el 24 de noviembre de 1994 se inaugura la primera perforación y el 3 de enero de 1997 se inaugura el Parque Termal que amplía el desarrollo a la propuesta turística y servicios hoteleros y gastronómicos para la nueva ciudad con el slogan de “Federación te enamora”.

“Museo de los Asentamientos” en Federación

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Con la reconstrucción de primera capilla del anterior asentamiento respetando el diseño y preservando su origen de creación del año 1847 como capilla y que también fue escuela en la Vieja Federación que tiene valiosos objetos de su época, desde sus primitivos habitantes hasta sus utencillos y fotografías de la ciudad desaparecida en su Museo de los Asentamientos.

Todo fue trasladado pieza por pieza desde el antiguo emplazamiento de aquella primera iglesia de la vieja ciudad de Federación.

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Carros, elementos de labranzas y artículos de uso varios recuerdan el paso del tiempo de quiénes vienen construyendo desde 1777 ésta ciudad. Contiene los testimonios de los tres anteriores asentamientos (1810 Mandisovi; 1847 el Pueblo de la Federación y 1979 la Nueva Federación y otras piezas de valor regional como su antiguo reloj y el nuevo que homenajea la ciudad actual.

La torre del reloj es una estructura de hormigón coronada por cuatro lados que simbolizan los cuatro momentos del pasado local que marca el reloj simbólico, de 15 m de altura, recuerda a la cúpula del templo demolido en la vieja Federación. En 2015 un proyecto federaense rescata los cuatro momentos culminantes de su historia con el propósito de exaltar las cuatro caras del viejo reloj. La consigna es recrear con sus agujas marcando la hora en que ocurrieron los sucesos relatados, por una secuencia de imágenes que penden de una cinta fotográfica. Se referencian así, día y hora de la inauguración de la Nueva Federación el 25 de marzo de 1979, día y hora del plebiscito por el cuál el pueblo eligió el lugar de su reinstalación el 12 de octubre de 1974, y el día y hora en que se produce el encuentro del agua termal el 24 de noviembre de 1994, y también en una cara se ofrece la secuencia que cuenta la historia de la misma torre.

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Una amplia plaza “Libertad” es inaugurada el 16 de noviembre en el centro de la ciudad para reparar la nostalgia de la vieja plaza 9 de julio de la vieja Federación. Su diseño conserva elementos rescatados de la demolición como su mástil, los bustos de Belgrano y San Martín, del caudillo local coronel Guarumba, bancos y columnas que pertenecieron a la vieja escuela Pellegrini y en sus canteros florecen las clásicas azaleas que son típicas en la primavera.
El casco conserva su fisonomía moderna  de viviendas premoldeadas con techo de tejas con salas espaciosas con 4 categorías de capacidad de acomodación construidas por el Consorcio Federación de las firmas salteñas Giacomo Fazzio y Noroeste Construcciones, que ganaron la licitación y con rapidez consiguieron el traslado de las familias en 2 años.

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En el centro de la ciudad se encuentra el primer Parque de agua Termal de 42°C proveniente de 1250 m de profundidad y un caudal de 450.000 lts/h. Es un lugar adecuado para el relax y descanso, además disfrutar del predio parquizado con 10 piletas de agua termal al aire libre y cubierta donde sus aguas permiten una relajación saludable y descanso recreativo.

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El Parque Acuático termal dispone de atractivos toboganes de 20 a 30 m de altura que ponen a prueba el coraje de lanzarse y divertirse. También tiene una pileta de 420 m2 que produce olas para mecerse sobre un gomón de forma divertida. Las piletas al aire libre tienen de 27 a 36°C y las cubiertas llegan a los 41°C, con un agua filtrada y una pileta circular con distintos niveles de profundidad que hacen el atractivo para un disfrute pleno.

Video del Parque Termal en Federación 2018

Mc Entyre; “Sutileza de la línea”

En la Noche de los Museos el MACBA presentó la exposición del plástico generativo Eduardo McEntyre, su obra geométrica “Sutileza de la línea”, un artista que adoptó la circunferencia como un sistema propio para desarrollar sus infinitas variaciones.

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McEntyre desarrolla la pintura que llama generativa con secuencias ópticas de vibración y movimiento a través de la circunferencia donde predomina el color y la luz, generando una imágen cinética lúdica en variantes, invitando al espectador a experimentar una nueva forma visual, transitar la línea de expresión en el trazo a mano alzada la pureza lineal, con total estética y poética sutil de la línea firme.

En las primeras obras no figurativas de arte concreto le permitió seguir indagando dentro del arte óptico y cinético sobre variantes sobre un mismo tema experimentando sobre las formas.

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Aprovechó texturas de la materia explorando otras tradiciones estéticas que se presentan en la muestra con una selección de bocetos, dibujos y documentación como parte del conjunto de últimos trabajos con piezas de la cultura africana.

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En 1968 junto a Miguel Angel Vidal firma un “manifiesto” para expresar que la” pintura generativa” engendra secuencias ópticas, la vibración y el movimiento óptico no figurativo en una figura geométrica.

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Se trata de arte formal llamado arte concreto pero no es tan concreto, aclara el artista, para quiénes creían  terminado el camino del arte formal pensado más espiritual y abstracto, ahora se basa en el desarrollo matemático y geométrico exacto, con mayor abstracción para generar el movimiento propio en el espacio.

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Las obras tienen “Fuerza y Energía” para producir la sensación de penetrar en el plano básico con la sensación de despegarse y la energía para producir desplazamiento y vibraciones.

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Por eso el término “Arte generativo” que propone Ignacio Pirovano es que no debe ser limitativo sino incluir todas las futuras y legítimas investigaciones que lleven a “engendrar belleza nueva”, alli donde el feliz mortal con capacidad la descubra. Es la expresión exacta que encuadra las motivaciones de nuestros trabajos.

Se puede apreciar en toda su obra los desafíos del cambio generativo al vibrar la forma y el color en el espacio plano, anclando su poética en el manejo sutil dela línea.

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Se puede ver y apreciar la muestra hasta el 11 de marzo de 2018 del genial artista. MACBA- San Juan 326, Lu, Mi, Ju y Vi de 11 a 19 hs.

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“Bienalsur” una megaexpo de arte sin fronteras

BIENALSUR es la 1era Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur.
BIENALSUR tendrá actividad en 32 ciudades de 16 países, bajo la organización de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y con auspicio de Revista Ñ.
Se realizó su primera conferencia en Buenos Aires, en el Museo Nacional de Bellas Artes. El eje fueron la obras que ya se pueden ver en espacios públicos de la ciudad, cerca de una decena. De aquí a fin de año se agregarán más acciones que prometen transformar el perfil urbano.
En Buenos Aires los espacios que estarán intervenidos por la Bienal serán la vieja Confitería del Águila -nueva sede de MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, dentro del ex zoológico porteño en vías de transformarse en un Ecoparque Interactivo-, distintas sedes del MUNTREF, el MALBA, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Nacional de Arte Decorativo, la CNB, Fundación PROA, el Centro Cultural Kirchner, la Usina del Arte, la Embajada de Brasil, Parque de la Memoria, el Museo Histórico Nacional, el Centro Cultural Haroldo Conti, el Museo Benito Quinquela Martín, el Teatro de la Rivera, el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, además de fachadas de edificios emblemáticos, plazas y aeropuertos.

La artista de San Pablo (Brasil) Regina Silveira en su trabajo puede verse en las fachadas del Centro Cultural Recoleta.

Bertrand Ivanoff está transformando la histórica fachada del Palais de Glace con rayas verticales y horizontales en colores naranja, azul, verde agua y rosa. En los próximos días, se le agregarán luces de neón. Se llama “Setenta y tres cuarenta y nueve”, y es una “anamorfosis”, una gran pintura que se ve conformada por líneas rectas desde un ángulo pero que, al caminar, se transforma cuándo aparecen distorsiones y curvas. El artista, un crítico de las formas de consumo que tienden a la uniformidad, explica el proyecto: “Desde el primer momento pensé que se trata de un edificio muy neutral. Conviven muy cerca un parque, espacio para caminar tranquilamente, y la Avenida del Libertador, que es una autopista. Lo que vino a mi mente fue algo que no era simétrico en términos de circulación. De un lado es pedestre y del otro está lleno de velocidad. Súper ruidoso. La idea fue crear un sistema visual insoslayable a la vista que confirme que el edificio es una interfaz entre la historia de esta ciudad y su evolución; entre la hipervelocidad y la ausencia de velocidad”.
Consultado sobre el arte urbano, Ivanoff ofrece guiños para la comprensión: dice que a veces lo más naif puede contener la expresión más brutal y explica que la técnica de la anamorfosis permite hacer evidente en la imagen sólida de un edificio pliegues y ángulos ocultos. Todo propone un punto de vista sobre la realidad.

Ivanoff y los muralistas de su equipo contaron que recibieron insultos de algunas personas que los vieron trabajar en el Palais de Glace, como si la colorida intervención le faltara el respeto al edificio y la pequeña polémica escaló hasta el punto de que desde el Palais de Glace les pidieran a los artistas que el escudo nacional no se tocara en la fachada del edificio y vuelva a ser pintado con su color original.

Cinco pantallas irradian naturaleza en una sala a oscuras del Centro Cultural Kirchner (CCK). Se ven horizontes, el atardecer, la noche, los colores del día. Impacta el piso árido y quebrado en rombos de ése terreno. Sobre unos pedestales, figuras negras recortadas, a contraluz. Figuras misteriosas. Hombres a oscuras, con lo majestuoso del cielo atrás. Están inmóviles, solamente con un foco de luz en sus cabezas, como si llevaran cascos que usan los mineros. ¿Podría tratarse de una crónica marciana ?. No !!, es un paisaje terrestre ó un panorama en el que se ve la potencia del planeta, sus texturas, su eternidad. Los hombres erguidos y congelados, atravesados por el tiempo, resisten. Un fresco mágico en el que lo convencional para mirar y contar no cuenta. Esa es la videoinstalación de Charly Nijensohn, sorprende. Se llama “El ciclo de la intensidad” y se grabó al límite.
En el desierto salado de 12 mil kilómetros cuadrados a 3.600 metros sobre el nivel del mar, fueron rutinarios. No había consignas demasiado estrictas sobre qué hacer. La idea era perder noción del tiempo y el artista argentino convivió 15 días en el salar de Uyuni (Bolivia) con una familia de habitantes de la zona, que colaboró en la filmación. Atravesaron jornadas de clima adverso en un campamento, en que los termómetros marcaban 15°C bajo cero por las noches.

B18Z82t9W_720x0-bienalsur11“En arte, la idea de no hacer nada es muy interesante”Nijensohn, en diálogo con Villar. / Silvana Boemo.

“La experiencia difiere mucho del cine, donde hay una escena delante de cámara y otra realidad detrás de ella. Aquí, todos vivíamos ésas condiciones”, explicó Nijensohn en la apertura, en un diálogo público con Eduardo Villar, editor de Arte de Revista Ñ, y también participó la directora artística de la bienal, Diana Wechsler y su director Anibal Josami.

La videoinstalación funciona como una afirmación de la vida humana y de la potencia natural. Nijensohn: “Tiene que ver con la idea de que estamos acá y después ya no estamos. Hay gente que no solamente se representa a sí misma sino a todos y a toda su cultura, a partir de costumbres que están amenazadas”. También “hay una idea de la muerte que está presente sin nombrarla. La idea del ciclo de la vida, el ciclo de la intensidad, tiene que ver con ésto. Mientras desaparecemos, me gusta ése punto en el que hay una afirmación de la gente”.
La obra de Nijensohn forma parte de la exposición Arte, mito y naturaleza, en el primer subsuelo del CCK.
Forma parte del extenso programa de muestras de arte que se abrieron en los últimos días en el marco de BIENALSUR. Si el arte sirve para hacer visible lo que se pierde en lo cotidiano, el videoartista radicado en Berlín vivió una experiencia en ése sentido: los primeros días de campamento, en el desierto salado de 12 mil kilómetros cuadrados a 3.600 metros sobre el nivel del mar, fueron rutinarios. No había consignas demasiado estrictas sobre qué hacer. “La idea era perder noción del tiempo. En un momento dado, nos olvidamos de todo y empezamos a ver cosas que no veíamos. De pronto, los seis chicos del lugar que participaron, la familia Tordoya, empiezan a mirar el cielo y se encuentran, por la noche, con que están debajo de la Vía Láctea y que nunca antes la habían visto así. Ellos son de ahí. Ese momento en que nos perdemos es el momento más interesante. En arte, la idea de no hacer nada es muy interesante porque uno frena el mundo, porque ésa nada está llena de algo que termina siendo más profundo”.

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conferencia del artista y recorrido por su muestra “Take me (Im yours).

En la entrada de la muestra Take me (I’m yours)(Llevame, soy tuyo), en el Museo de Arte Decorativo, los visitantes se topan con una pila de ropa usada que, tal como explica el gran artista conceptual Christian Boltanski (París 1944), está ahí a disposición del público.
Unos minutos antes, Boltanski les ha pedido que intenten ponerse “en estado de infancia, no pensar si es tonto o no lo es”: en otras palabras, deshinibirse para divertirse. Así es que, con más o menos arrojo, casi todos se prestan a vivir una experiencia que resulta, ante todo, placentera. Un poco cómica, también. en cuánto liberamos nuestra libertad, o nos retrotraemos a un estado de disfrute casi infantil? Por lo que le toca a las mujeres se ríen mientras se prueban vestidos, y a los hombres se los ve también jocosos, revolviendo prendas más adustos pero no menos intencionados de llevarse alguna.

Ésta participación -estrenada originalmente en 1995 en la Serpentine Gallery de Londres- ha tenido diferentes versiones. El signo erótico del nombre no es casual: el impulso que llevó al artista a concebirla –y después a reproducirla en ciudades como París, Copenhague, Nueva York y próximamente Milán- se propone desarticular la noción de arte como experiencia sagrada, y de las obras como reliquias intocables, inalcanzables por su alto costo.
Las exposiciones que perduran en la memoria son sólo aquellas que reinventan –o subvierten- las reglas del juego, en la dinámica de las muestras. En esa línea trabajó desde el origen del proyecto, con el crítico Hans Ullrich Obrist, cómplice de esta aventura creativa.

BIENALSUR presenta la recreación de la muestra ‘Take Me (I’m Yours)’ en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Creada en 1995 y curada por Christian Boltanski y Hans Ulrich Obrist reúne grandes artistas nacionales e internacionales .

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