De los Asentamientos en Federación…

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Trás una vida agitada en su pasado que registra hechos traumáticos con el derrumbe del viejo pueblo sepultado bajo las aguas, fue el motivo que Federación se forjara bajo la base del sacrificio. Su nacimiento se retrotrae a la última etapa misionera jesuítica, cuándo la corona española comenzó a sentir su reducción en 1877 el Cmte militar José de San Martín, gobernador de Yapeyú funda la estancia Mandisoví para el transporte de mercaderías entre los pueblos misioneros y el Puerto de Buenos Aires, a lo que se llamó la “Posta de Mandisovi” y la “Ruta de la Yerba” de la producción obtenida en las misiones de la región hasta Concordia.
Así el transporte de las producciones obtenidas evitaban los obstáculos de las rocas y usaban la navegabilidad de río. Por los viejos caminos transitaban las carretas que transportaban yerba, algodón y tabaco con paradas de postas, y el Cabildo de Yapeyú entonces creó cuatro escalas, que serían reconocidas como estancias; La Merced, hoy Monte Caseros en Corrientes, San Gregorio en el rincón de los ríos Uruguay y Macoretá y el río Uruguay, Mandisoví entre los arroyos Chico y Grande y Jesús del Yeruá cercano a la ciudad de Concordia.

El 16 de noviembre de 1810 se redacta el “Decreto Belgraniano” un documento que formaliza a los mandisoveños de Curuzú Cuatiá durante la campaña al Paraguay, con el propósito de llevar el mandato de la Revolución a los pueblos del Rio de la Plata, que adjudicaba a los lugareños las terrenos donde se definen las juridicciones del poblado y establecen las comarcas, con una población de 650 habitantes y 26.000 cabezas de ganado en las haciendas.

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El 20 de marzo de 1847 el poblado de Mandisoví de origen guaraní fue antecesora a la ciudad que sería reubicada por el Comdte. interino Coronel Manuel Antonio Urdinarráin, jefe de la división de Vanguardia y Frontera en Concordia bajo el mando del gobernador Justo José de Urquiza, tenía delineado y amojonado al nuevo pueblo de Mandisoví sobre la barranca del Río Uruguay y por orden de Urquiza se llamará “Pueblo de Mandisoví” un pintoresco lugar con puerto cercano a la plaza céntrica.
Para entonces las guerras eran fraticidas en el pueblo ya que era copado y saqueado varias veces hasta que fue abandonado por sus habitantes, y por sugerencia de Urquiza se cambia de lugar como así su nombre y pasaría llamarse “Pueblo de la Federación” por la causa federal que defendía el caudillo entrerriano, que después fue el primer presidente constitucional argentino.

En éste segundo asentamiento la comunidad tendría su época de esplendor y bonanza hasta que el puñal de Salto Grande sentenció su destino.
En 1946 Perón firma un tratado binacional con Uruguay para aprovechar los rápidos del río de Salto Grande se construye la represa hidroeléctrica, y establecía que la antigua ciudad de Federación desaparecería demolida bajo las aguas del embalse, ésto dejó una gran decepción e incertidumbre en la población que se sometió a un letargo durante varios años. El 3 de julio se inicia la construcción de la represa Salto Grande, una obra de avanzada que prometía el desarrollo regional con la producción de energía y propiciar la navegación para los federaenses.

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En 1977 Federación se desarrolla vertiginosamente con su nueva urbanización y construcción moderna sobre el otro lado del río y se inaugura el 25 de marzo de 1979 con presencia de su gobernador Aguirre y por el presidente de facto Jorge Rafael Videla con la puesta en marcha del complejo hidroeléctrico Salto Grande.

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El abrupto cambio en su población conmovió en principio por su traslado compulsivo realojados en pocas casas y la desazón tuvo que pasar una década (1979-1989) por dificultades económicas hasta que funcionara las reparticiones públicas, la prefectura, escuelas, policía, registro civil y servicios esenciales, pero con la instalación de 20 aserraderos que procesaban la madera para el pueblo y la exportación comenzó la pujanza de crecimiento.

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En la década del 90 la comunidad impulsa la búsqueda de aguas termales y el 24 de noviembre de 1994 se inaugura la primera perforación y el 3 de enero de 1997 se inaugura el Parque Termal que amplía el desarrollo a la propuesta turística y servicios hoteleros y gastronómicos para la nueva ciudad con el slogan de “Federación te enamora”.

“Museo de los Asentamientos” en Federación

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Con la reconstrucción de primera capilla del anterior asentamiento respetando el diseño y preservando su origen de creación del año 1847 como capilla y que también fue escuela en la Vieja Federación que tiene valiosos objetos de su época, desde sus primitivos habitantes hasta sus utencillos y fotografías de la ciudad desaparecida en su Museo de los Asentamientos.

Todo fue trasladado pieza por pieza desde el antiguo emplazamiento de aquella primera iglesia de la vieja ciudad de Federación.

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Carros, elementos de labranzas y artículos de uso varios recuerdan el paso del tiempo de quiénes vienen construyendo desde 1777 ésta ciudad. Contiene los testimonios de los tres anteriores asentamientos (1810 Mandisovi; 1847 el Pueblo de la Federación y 1979 la Nueva Federación y otras piezas de valor regional como su antiguo reloj y el nuevo que homenajea la ciudad actual.

La torre del reloj es una estructura de hormigón coronada por cuatro lados que simbolizan los cuatro momentos del pasado local que marca el reloj simbólico, de 15 m de altura, recuerda a la cúpula del templo demolido en la vieja Federación. En 2015 un proyecto federaense rescata los cuatro momentos culminantes de su historia con el propósito de exaltar las cuatro caras del viejo reloj. La consigna es recrear con sus agujas marcando la hora en que ocurrieron los sucesos relatados, por una secuencia de imágenes que penden de una cinta fotográfica. Se referencian así, día y hora de la inauguración de la Nueva Federación el 25 de marzo de 1979, día y hora del plebiscito por el cuál el pueblo eligió el lugar de su reinstalación el 12 de octubre de 1974, y el día y hora en que se produce el encuentro del agua termal el 24 de noviembre de 1994, y también en una cara se ofrece la secuencia que cuenta la historia de la misma torre.

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Una amplia plaza “Libertad” es inaugurada el 16 de noviembre en el centro de la ciudad para reparar la nostalgia de la vieja plaza 9 de julio de la vieja Federación. Su diseño conserva elementos rescatados de la demolición como su mástil, los bustos de Belgrano y San Martín, del caudillo local coronel Guarumba, bancos y columnas que pertenecieron a la vieja escuela Pellegrini y en sus canteros florecen las clásicas azaleas que son típicas en la primavera.
El casco conserva su fisonomía moderna  de viviendas premoldeadas con techo de tejas con salas espaciosas con 4 categorías de capacidad de acomodación construidas por el Consorcio Federación de las firmas salteñas Giacomo Fazzio y Noroeste Construcciones, que ganaron la licitación y con rapidez consiguieron el traslado de las familias en 2 años.

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En el centro de la ciudad se encuentra el primer Parque de agua Termal de 42°C proveniente de 1250 m de profundidad y un caudal de 450.000 lts/h. Es un lugar adecuado para el relax y descanso, además disfrutar del predio parquizado con 10 piletas de agua termal al aire libre y cubierta donde sus aguas permiten una relajación saludable y descanso recreativo.

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El Parque Acuático termal dispone de atractivos toboganes de 20 a 30 m de altura que ponen a prueba el coraje de lanzarse y divertirse. También tiene una pileta de 420 m2 que produce olas para mecerse sobre un gomón de forma divertida. Las piletas al aire libre tienen de 27 a 36°C y las cubiertas llegan a los 41°C, con un agua filtrada y una pileta circular con distintos niveles de profundidad que hacen el atractivo para un disfrute pleno.

Video del Parque Termal en Federación 2018

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Mc Entyre; “Sutileza de la línea”

En la Noche de los Museos el MACBA presentó la exposición del plástico generativo Eduardo McEntyre, su obra geométrica “Sutileza de la línea”, un artista que adoptó la circunferencia como un sistema propio para desarrollar sus infinitas variaciones.

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McEntyre desarrolla la pintura que llama generativa con secuencias ópticas de vibración y movimiento a través de la circunferencia donde predomina el color y la luz, generando una imágen cinética lúdica en variantes, invitando al espectador a experimentar una nueva forma visual, transitar la línea de expresión en el trazo a mano alzada la pureza lineal, con total estética y poética sutil de la línea firme.

En las primeras obras no figurativas de arte concreto le permitió seguir indagando dentro del arte óptico y cinético sobre variantes sobre un mismo tema experimentando sobre las formas.

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Aprovechó texturas de la materia explorando otras tradiciones estéticas que se presentan en la muestra con una selección de bocetos, dibujos y documentación como parte del conjunto de últimos trabajos con piezas de la cultura africana.

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En 1968 junto a Miguel Angel Vidal firma un “manifiesto” para expresar que la” pintura generativa” engendra secuencias ópticas, la vibración y el movimiento óptico no figurativo en una figura geométrica.

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Se trata de arte formal llamado arte concreto pero no es tan concreto, aclara el artista, para quiénes creían  terminado el camino del arte formal pensado más espiritual y abstracto, ahora se basa en el desarrollo matemático y geométrico exacto, con mayor abstracción para generar el movimiento propio en el espacio.

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Las obras tienen “Fuerza y Energía” para producir la sensación de penetrar en el plano básico con la sensación de despegarse y la energía para producir desplazamiento y vibraciones.

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Por eso el término “Arte generativo” que propone Ignacio Pirovano es que no debe ser limitativo sino incluir todas las futuras y legítimas investigaciones que lleven a “engendrar belleza nueva”, alli donde el feliz mortal con capacidad la descubra. Es la expresión exacta que encuadra las motivaciones de nuestros trabajos.

Se puede apreciar en toda su obra los desafíos del cambio generativo al vibrar la forma y el color en el espacio plano, anclando su poética en el manejo sutil dela línea.

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Se puede ver y apreciar la muestra hasta el 11 de marzo de 2018 del genial artista. MACBA- San Juan 326, Lu, Mi, Ju y Vi de 11 a 19 hs.

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“Bienalsur” una megaexpo de arte sin fronteras

BIENALSUR es la 1era Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur.
BIENALSUR tendrá actividad en 32 ciudades de 16 países, bajo la organización de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y con auspicio de Revista Ñ.
Se realizó su primera conferencia en Buenos Aires, en el Museo Nacional de Bellas Artes. El eje fueron la obras que ya se pueden ver en espacios públicos de la ciudad, cerca de una decena. De aquí a fin de año se agregarán más acciones que prometen transformar el perfil urbano.
En Buenos Aires los espacios que estarán intervenidos por la Bienal serán la vieja Confitería del Águila -nueva sede de MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, dentro del ex zoológico porteño en vías de transformarse en un Ecoparque Interactivo-, distintas sedes del MUNTREF, el MALBA, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Nacional de Arte Decorativo, la CNB, Fundación PROA, el Centro Cultural Kirchner, la Usina del Arte, la Embajada de Brasil, Parque de la Memoria, el Museo Histórico Nacional, el Centro Cultural Haroldo Conti, el Museo Benito Quinquela Martín, el Teatro de la Rivera, el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, además de fachadas de edificios emblemáticos, plazas y aeropuertos.

La artista de San Pablo (Brasil) Regina Silveira en su trabajo puede verse en las fachadas del Centro Cultural Recoleta.

Bertrand Ivanoff está transformando la histórica fachada del Palais de Glace con rayas verticales y horizontales en colores naranja, azul, verde agua y rosa. En los próximos días, se le agregarán luces de neón. Se llama “Setenta y tres cuarenta y nueve”, y es una “anamorfosis”, una gran pintura que se ve conformada por líneas rectas desde un ángulo pero que, al caminar, se transforma cuándo aparecen distorsiones y curvas. El artista, un crítico de las formas de consumo que tienden a la uniformidad, explica el proyecto: “Desde el primer momento pensé que se trata de un edificio muy neutral. Conviven muy cerca un parque, espacio para caminar tranquilamente, y la Avenida del Libertador, que es una autopista. Lo que vino a mi mente fue algo que no era simétrico en términos de circulación. De un lado es pedestre y del otro está lleno de velocidad. Súper ruidoso. La idea fue crear un sistema visual insoslayable a la vista que confirme que el edificio es una interfaz entre la historia de esta ciudad y su evolución; entre la hipervelocidad y la ausencia de velocidad”.
Consultado sobre el arte urbano, Ivanoff ofrece guiños para la comprensión: dice que a veces lo más naif puede contener la expresión más brutal y explica que la técnica de la anamorfosis permite hacer evidente en la imagen sólida de un edificio pliegues y ángulos ocultos. Todo propone un punto de vista sobre la realidad.

Ivanoff y los muralistas de su equipo contaron que recibieron insultos de algunas personas que los vieron trabajar en el Palais de Glace, como si la colorida intervención le faltara el respeto al edificio y la pequeña polémica escaló hasta el punto de que desde el Palais de Glace les pidieran a los artistas que el escudo nacional no se tocara en la fachada del edificio y vuelva a ser pintado con su color original.

Cinco pantallas irradian naturaleza en una sala a oscuras del Centro Cultural Kirchner (CCK). Se ven horizontes, el atardecer, la noche, los colores del día. Impacta el piso árido y quebrado en rombos de ése terreno. Sobre unos pedestales, figuras negras recortadas, a contraluz. Figuras misteriosas. Hombres a oscuras, con lo majestuoso del cielo atrás. Están inmóviles, solamente con un foco de luz en sus cabezas, como si llevaran cascos que usan los mineros. ¿Podría tratarse de una crónica marciana ?. No !!, es un paisaje terrestre ó un panorama en el que se ve la potencia del planeta, sus texturas, su eternidad. Los hombres erguidos y congelados, atravesados por el tiempo, resisten. Un fresco mágico en el que lo convencional para mirar y contar no cuenta. Esa es la videoinstalación de Charly Nijensohn, sorprende. Se llama “El ciclo de la intensidad” y se grabó al límite.
En el desierto salado de 12 mil kilómetros cuadrados a 3.600 metros sobre el nivel del mar, fueron rutinarios. No había consignas demasiado estrictas sobre qué hacer. La idea era perder noción del tiempo y el artista argentino convivió 15 días en el salar de Uyuni (Bolivia) con una familia de habitantes de la zona, que colaboró en la filmación. Atravesaron jornadas de clima adverso en un campamento, en que los termómetros marcaban 15°C bajo cero por las noches.

B18Z82t9W_720x0-bienalsur11“En arte, la idea de no hacer nada es muy interesante”Nijensohn, en diálogo con Villar. / Silvana Boemo.

“La experiencia difiere mucho del cine, donde hay una escena delante de cámara y otra realidad detrás de ella. Aquí, todos vivíamos ésas condiciones”, explicó Nijensohn en la apertura, en un diálogo público con Eduardo Villar, editor de Arte de Revista Ñ, y también participó la directora artística de la bienal, Diana Wechsler y su director Anibal Josami.

La videoinstalación funciona como una afirmación de la vida humana y de la potencia natural. Nijensohn: “Tiene que ver con la idea de que estamos acá y después ya no estamos. Hay gente que no solamente se representa a sí misma sino a todos y a toda su cultura, a partir de costumbres que están amenazadas”. También “hay una idea de la muerte que está presente sin nombrarla. La idea del ciclo de la vida, el ciclo de la intensidad, tiene que ver con ésto. Mientras desaparecemos, me gusta ése punto en el que hay una afirmación de la gente”.
La obra de Nijensohn forma parte de la exposición Arte, mito y naturaleza, en el primer subsuelo del CCK.
Forma parte del extenso programa de muestras de arte que se abrieron en los últimos días en el marco de BIENALSUR. Si el arte sirve para hacer visible lo que se pierde en lo cotidiano, el videoartista radicado en Berlín vivió una experiencia en ése sentido: los primeros días de campamento, en el desierto salado de 12 mil kilómetros cuadrados a 3.600 metros sobre el nivel del mar, fueron rutinarios. No había consignas demasiado estrictas sobre qué hacer. “La idea era perder noción del tiempo. En un momento dado, nos olvidamos de todo y empezamos a ver cosas que no veíamos. De pronto, los seis chicos del lugar que participaron, la familia Tordoya, empiezan a mirar el cielo y se encuentran, por la noche, con que están debajo de la Vía Láctea y que nunca antes la habían visto así. Ellos son de ahí. Ese momento en que nos perdemos es el momento más interesante. En arte, la idea de no hacer nada es muy interesante porque uno frena el mundo, porque ésa nada está llena de algo que termina siendo más profundo”.

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conferencia del artista y recorrido por su muestra “Take me (Im yours).

En la entrada de la muestra Take me (I’m yours)(Llevame, soy tuyo), en el Museo de Arte Decorativo, los visitantes se topan con una pila de ropa usada que, tal como explica el gran artista conceptual Christian Boltanski (París 1944), está ahí a disposición del público.
Unos minutos antes, Boltanski les ha pedido que intenten ponerse “en estado de infancia, no pensar si es tonto o no lo es”: en otras palabras, deshinibirse para divertirse. Así es que, con más o menos arrojo, casi todos se prestan a vivir una experiencia que resulta, ante todo, placentera. Un poco cómica, también. en cuánto liberamos nuestra libertad, o nos retrotraemos a un estado de disfrute casi infantil? Por lo que le toca a las mujeres se ríen mientras se prueban vestidos, y a los hombres se los ve también jocosos, revolviendo prendas más adustos pero no menos intencionados de llevarse alguna.

Ésta participación -estrenada originalmente en 1995 en la Serpentine Gallery de Londres- ha tenido diferentes versiones. El signo erótico del nombre no es casual: el impulso que llevó al artista a concebirla –y después a reproducirla en ciudades como París, Copenhague, Nueva York y próximamente Milán- se propone desarticular la noción de arte como experiencia sagrada, y de las obras como reliquias intocables, inalcanzables por su alto costo.
Las exposiciones que perduran en la memoria son sólo aquellas que reinventan –o subvierten- las reglas del juego, en la dinámica de las muestras. En esa línea trabajó desde el origen del proyecto, con el crítico Hans Ullrich Obrist, cómplice de esta aventura creativa.

BIENALSUR presenta la recreación de la muestra ‘Take Me (I’m Yours)’ en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Creada en 1995 y curada por Christian Boltanski y Hans Ulrich Obrist reúne grandes artistas nacionales e internacionales .

La Mirada Prospectiva de Felipe Nóe

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 497Hace poco más de dos décadas, el Museo Nacional de Bellas Artes dedicó a Luis Felipe Noé una gran exposición, y el 11 de julio hasta el 20 de septiembre de 2017, se presenta su “Mirada Prospectiva” de sus últimos trabajos e instalaciones.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 499En 2009, el Museo presentó en sus salas las dos enormes pinturas del artista que constituyeron el envío argentino a la Bienal de Venecia: “La estática velocidad y Nos estamos entendiendo”.
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Hoy, dando cuenta del carácter programático de su obra de cara al futuro, se presenta su muestra “Mirada prospectiva”, donde pueden vislumbrarse las opciones transformadoras durante más de medio siglo en su vasta trayectoria, que suma en ésta nueva exposición la vigencia de su obra artística.
Andrés Duprat
Director del Museo Nacional de Bellas Arte

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El caos en la obra de Luis Felipe Noé

Hasta el siglo XX, donde los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el “caos” siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional, aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Éste cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965 en su libro “Antiestética”, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio. En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 516Ésta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuáles desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro.

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De ahí el título “Mirada prospectiva”, su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital.
Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación “Entreveros” (2017), que presenta una imagen de quiebre en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
Cecilia Ivanchevich
Curadora de la exposición

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 493La exposición, curada por Cecilia Ivanchevich, reúne pinturas, dibujos e instalaciones realizadas a lo largo de sesenta años del artista, y pone el acento en las constantes y variables con las que su creador desarrolla su “estética del caos”, ente 1957 y 2017.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 500Ésta mirada prospectiva tiene un doble sentido: el artista mira hacia el futuro y las nuevas generaciones miran a Noé.
“Noé hizo de la búsqueda de su propia estética un derrotero singular, que si bien permite anclar su evolución artística en diversas corrientes del último medio siglo, y se lo circunscribe y acota a la Nueva Figuración, que a partir de 1961 animó junto con Ernesto Deira, Jorge de la Vega y Rómulo Macció, pero queda claro que en su obra Luis Felipe Noé con su “Mirada prospectiva” demuestra la vigencia que tiene hoy éste gran artista”.
El guión curatorial se aparta del orden cronológico y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la producción de Noé: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 504Por un lado, la conciencia histórica marca el recorrido: el artista aparece como testigo de su época para apropiársela y evocarla a través de la cita, la denuncia y la ironía. Para Noé, toda cita a la historia tiene sentido siempre que su eco resuene en el presente, por eso incluye referencias a la historia argentina y a la historia del arte universal.
El segundo enfoque piensa la producción de Noé desde la visión fragmentada: el artista divide la obra para mostrar distintas realidades coexistentes. La fragmentación que observa en la sociedad argentina lo replica en sus obras con un  razonamiento que lo lleva a entender el caos como parte del mismo sistema.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 509La tercera lectura muestra un desarrollo de la línea vital como guía de la obra. Desde 1957, puede rastrearse la línea a mano alzada que recorre el papel y que en los años 70, dará pie al volver a la pintura (Noé postulaba que el arte debía disolverse en la vida social, por lo cuál entre 1966 y 1975, deja de pintar), cuándo la línea y el color se unen para dar el sentido rítmico al cuadro. A partir de éste período, el artista
trabaja la naturaleza como sinónimo de la vitalidad latinoamericana. ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 520La selección de obras que podrá verse en la muestra incluye piezas históricas, una serie de dibujos inédita de 1957 y otras especialmente creadas por el artista para ésta exhibición, entre las que se destaca la impactante instalación “Entreveros” (2017), en la que Noé condensa planteos estéticos de sus distintas épocas utilizando entre otros materiales, fragmentos de espejos para incluir el reflejo del espectador en la complejidad del caos.

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El caos es el concepto que articula Luis Felipe Noé en “Mirada prospectiva” y en 1965 su libro “Antiestética”, lo define como “una estructura compleja de unidades diferentes e independientes”. Asumir el caos es asumir ése orden al que nos negamos en defensa a “El concepto de caos introducido por Noé que encuentra el correlato en el pensamiento científico”.
Por aquellos mismos años, el físico ruso Ilya Prigogine propuso en sus investigaciones la superación del
determinismo científico (Causa-efecto), lo que marcó el ingreso en la posmodernidad. En éste sentido los planteos de Noé se conjugan con las teorías científicas de la época, para dar lugar a un mundo tan inestable como impredecible, afirma la curadora, Cecilia Ivanchevich.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 521El catálogo que acompaña la muestra incluye un ensayo de Ivanchevich y además una selección de textos críticos sobre la producción del artista, y los ensayos de la especialista Lorena Alfonso y de la investigadora alemana Lena Geuer.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 501Luis Felipe Noé y su “Mirada prospectiva” podrá recorrerse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo del 11 de julio al 20 de septiembre de 2017, de martes a viernes, de 11 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.
Sobre el artista
Luis Felipe Noé nació en Buenos Aires, en 1933. Estudió en el taller de Horacio Butler. Residió en París y en Nueva York. Actualmente, vive y trabaja en Buenos Aires.
Entre 1961 y 1965, formó parte del grupo conocido como “Otra Figuración o Nueva Figuración Argentina”, integrado en el Instituto Di Tella por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega y en 1964 el grupo fue invitado a participar en el Premio Internacional Guggenheim.
En 1965, realizó la célebre exposición Noé + experiencias colectivas en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Allí presentó su primer libro, “Antiestética” donde expuso por primera vez su tesis sobre el caos como estructura.
En 1966, convencido de que la actividad artística se disolvía en la vida social, inició un período en el que decidió no pintar. Sin embargo, en 1971, sintió que había tomado el camino equivocado y comenzó una terapia psicoanalítica que lo ayudó a retomar su actividad artística, en 1975.
Producido el golpe de Estado de marzo de 1976, Noé partió hacia París y durante los diez años siguientes, presentó su obra en la capital francesa, Nueva York y Buenos Aires.

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 513En 1987, regresó a la Argentina después de tener realizado más de 120 exposiciones individuales, desde 1959 hasta la actualidad. Se organizaron muestras retrospectivas sobre su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina (1995), en el Palacio de Bellas Artes de México D.F. (1996) y en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil (2010).

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En 2009, fue convocado para representar a la Argentina en la 53.ª Bienal de Venecia y en 2013 fue invitado de honor en la XX Bienal Internacional de Curitiba, Brasil.
En los últimos años ha editado los libros “Noescritos”, sobre eso que se llama arte (2007) y “Mi viajecuaderno” de bitácora en (2015).

ARCHIV 33-NOE-Maciel-Locutor-Ramadn-Mattos-otrs 528Ha recibido entre otros reconocimientos, el Premio Nacional Di Tella (1963), y becas del gobierno de Francia (1961) y de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1965 y 1966). Por su trayectoria le han otorgado el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes (1997) y el Premio Honor a la
trayectoria de la Academia Nacional de las Artes (2015). La Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires lo declaró Ciudadano Ilustre en 2006.

 

Inaugura Cassará Lepage Art Hotel

El 12 de mayo de 2017 Cassará Lepage Art Hotel inauguró su segundo espacio de arte en el barrio de San Telmo con una muestra colectiva que llamó ” La Emoción de lo Sublime” con los artistas Eduardo Cetner, Germán Wendel, Leandro Niro, Julio Fierro y Alejandra Césaro.

 

Las pinturas expuestas de los artistas son las interacciones personales con sus vivencias, como la fuente que capturan los momentos de profundo significado, que provocan en el observador un impacto visual como emocional.

Como buscando el misterio de la antigua Buenos Aires colonial, el nuevo espacio descubre los pasadizos y túneles subterráneos con sus paredes de ladrillo encontrados entre las catacumbas de San Telmo que sirvieron para la huída en la época de los realistas, usadas durante las invasiones inglesas y posterior época colonial.

 

 

 

Martín Gimeno; “Revelación de un artista”

“Las cosas bellas siempre son difíciles”… es la frase con que Sócrates cierra su reflexión sobre lo bello en los Diálogos de Platón por la difícil conquista de la belleza que es ardua, pero el arte siempre sabe abrirse paso … con el empeño de su esfuerzo que puso Martín Gimeno a lo largo de su vida.

 

 

 

 

Sobreponiéndose a las dificultades por su vocación de artista heredada de su padre Francisco Gimeno como una gran figura de la pintura española de fin del siglo XIX, le permitió abrir su propio camino al tener que experimentar el desarraigo  y llegar a ésta tierra comenzando de nuevo en medio de la adversidad, con ilustraciones, dibujos, acuarelas y óleo para hacer su vida y mantener su íntimo fuego sagrado de artista con ése halo de lo efímero y lo inmortal para señalar que allí es donde el arte realmente sucede.

 

Con dominio de las variadas técnicas que evidencia en sus acuarelas, dibujos, témperas y óleo supo captar la atmósfera de caricaturizar personajes, ilustrar poemas y peleas de box de los cautivantes rincones del antaño Buenos Aires. También La Boca inspiró sus trabajos en el mosaico del clima intenso portuario de gran actividad en la década de 1930 – 1940.

El arte al abrirse paso en el tiempo para redescubrir con un conjunto de 60 obras que el Museo Quinquela Martín presenta en una exposición para reconocer su trayectoria que lo animó desde el inicio en el Ateneo Obrero de Barcelona donde también se desempeñó como aprendiz de Antoni Gaudí en los trabajos de la catedral de La Sagrada Familia.

Su carrera se vió interrumpida en 1910 al ser convocado como recluta  para combatir en Melilla hasta que logra emigrar a Argentina en oposición a su padre que prefería fuera a París.

Arribó a Buenos Aires y trabajó en varios periódicos ilustrando notas y con dibujos la sección de box, redactó críticas sobre arte en diario La Razón y La República, hasta que en 1933 es director de la revista Catalunya. Paralelamente trabajó con escenas de la vida cotidiana en barrios del sur de La Boca y Barracas con su rutina cargando su portafolio con pinturas y pinceles.

En 1930 Gimeno tuvo la oportunidad de reunirse con Federico García Lorca que se encontraba en Bs. As le mostró sus ilustraciones sobre los versos del Romancero gitano que lo entusiasmaron para una edición de poemas, pero su trágico destino abortó el proyecto.

Frecuentaba las bohemias tertulias del “Café de La Puñalada” donde se vinculó con poetas como Nalé Roxlo y Raúl González Tuñón de quién recuerda en contradicción al nombre del lugar, allí nunca corría sangre, solo buscavidas en referencia a Gimeno y que le dedicara su “Requiem para un caricaturista de café” que refería así:

Le vimos en el mágico Puchero misterioso,
hoy en el cementerio vago de los boliches perdidos
allá lejos en la calle del tiempo
y allí donde el humoso café de La Puñalada
reunía a los amigos de las albas equívocas.

Con su traje lustroso y el lápiz ambulante
y ese color que tienen las hambres atrasadas
lo veo con un fondo de fonda popular
y de letrero triste de Camas desde un peso.

Fue también un excelente escultor que talló la madera y destacó sus trabajos por su intensidad y fuerza que le dió al bajo relieve.

Martín Gimeno murió una mañana del 1° de septiembre de 1971 cuándo hacía notas sobre el “Anticristo” de Friedrich Nietzsche y la prensa cubrió sus eventos en su exposición “Acuarelas porteñas” en el Teatro del Pueblo, donde su obra era reflejo fiel de la vida proletaria por sus acertados detalles, calificados como poemas escénicos con argumentos conmovedores por sus temas que lo recuerdan.

 

 

XUL SOLAR, Panactivista del misterio metafísico

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El mundo metafísico que evoca la obra de Xul Solar no se viabiliza en la concepción teórica de la metafísica, sino en experiencias mediadas por la imaginación creadora. En éstas experiencias y en sus notables plasmaciones gravitan vanguardias, autores ocultos con antiguas fuentes occidentales y orientales, por lo general esotéricas, que Xul recrea de modo original con una visión muy personal.
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El Museo Nacional de Bellas Artes abre la temporada 2017 del 8 de marzo al 18 de junio en conmemoración a los 130 años del nacimiento con una exposición del gran artista argentino Xul Solar (Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari), dueño de un lenguaje visual y verbal propio, concebido bajo el calor de un vínculo estrecho con la cultura de su presente, que le permitió repensar la tradición nacional y diseñar el futuro.
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Xul Solar es un eslabón ineludible para comprender las vanguardias locales durante las primeras décadas del siglo XX con su espíritu de recreación de las palabras, al poner límites a las disciplinas tradicionales en el arte, con sus piezas de factura personal así como de sus proyectos, que indagan un nuevo universo con candidez y frescura de un arte con aire de misterio.
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Curada por Cecilia Rabossi,Xul Solar Panactivista” reúne en la exposición más de 180 acuarelas, témperas, pinturas, dibujos, objetos, manuscritos y documentos personales, y está organizada en seis módulos temáticos que despliegan el interés diverso y búsquedas formales del artista. 
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También “Xul Solar Panactivista” explora su vínculo fraternal con el pintor Emilio Pettoruti y con Borges, y a través de éstas relaciones se detiene en su estadía en Europa, y el regreso a la Argentina en 1924 hace su inserción en el medio artístico y literario local.
Éste recorrido presenta al artista en sus múltiples dimensiones como pintor, astrólogo, músico, visionario, transformador en sus indagaciones atravesadas siempre por lo místico y lo trascendente.
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Es necesario destacar un agradecimiento a todos los que participaron para la concreción de éste proyecto, en especial, a la Fundación Pan Klub – Museo Xul Solar y a las colecciones privadas y públicas que cedieron sus obras, han hecho posible ésta exposición, y también el apoyo inestimable de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.
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La Asociación Amigos del Bellas Artes organiza en marzo talleres de pintura y charlas sobre la relación de Xul Solar con la literatura, el tarot y la metafísica, mientras que la Biblioteca Nacional inaugurará, el 13 de marzo, una exhibición en la Sala del Tesoro con ediciones y ejemplares de revistas de vanguardia, donde podrán verse textos de Borges ilustrados por Xul. 
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Contacto MNBA al teléfono 5288 9900 o por mail: info@mnba.gob.ar , http://www.bellasartes.gob.ar
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